Johann Strauss, Obertura de Die Fledermaus
Viena aún se estaba recuperando de la crisis bursátil del «Viernes Negro» de 1873 cuando Johann Strauss II presentó la que se convertiría en su opereta más famosa, Die Fledermaus (El murciélago), en el Theatre an der Wien el 5 de abril de 1874. La crisis financiera había desencadenado una depresión mundial, junto con un declive de los bailes de disfraces y otras fastuosas fiestas de la ciudad; Fledermaus era un recordatorio de la vida despreocupada de antes.
El propio Strauss se vio protegido de los efectos de la crisis, ya que acababa de salir de una lucrativa temporada con su ahora olvidada opereta Karneval in Rom (Carnaval en Roma). Aunque no era nuevo en el mundo de la opereta, su fama se basaba principalmente en la música de baile de formato corto, lo que le valió el apodo de «el rey del vals». Tenía una imagen de estrella del pop a juego, con una melena de pelo negro y una tormentosa y muy comentada vida amorosa.
Die Fledermaus se basó en la farsa francesa Le Reveillon, cuyo título significa «fiesta de Navidad o Nochevieja», escrita por Henri Meilhac y Ludovic Halévy (que también escribieron libretos para Bizet y Offenbach). Después de que un pequeño aristócrata llamado Eisenstein es condenado a ocho días de prisión por insultar a un funcionario del gobierno, busca desesperadamente una forma de posponer su sentencia para poder disfrutar de una elaborada cena (en la que un amigo se disfraza de murciélago). Hay coqueteos extramatrimoniales, identidades equivocadas y bromas pesadas, todo ello envuelto en una partitura melodiosa y accesible.
La acogida inicial de Die Fledermaus fue tibia. Pero en pocas temporadas se representó en unos 200 teatros, lo que garantizó que Strauss siguiera componiendo operetas durante los siguientes 25 años. La obertura anticipa los temas principales de la opereta, en particular con un número de baile en compás binario y un vals deliciosamente embriagador.
Maurice Ravel,Shéhérazade
Las fantásticas historias deLas mil y una nochesse encuentran entre nuestros relatos más universales, contados por primera vez por poetas, mendigos y narradores profesionales en los mercados de Oriente Medio y la India. Nadie sabe con certeza cuándo —ni quién— las escribió, pero a medida que los cuentos de Aladino, Simbad y Alí Babá viajaban por todo el mundo, inspiraron a artistas tan diversos como Marcel Proust y Salman Rushdie, Pablo Picasso y René Magritte, Rimsky-Korsakov y John Adams.
Con su tradicional inclinación por lo exótico, Maurice Ravel hizo dos intentos por adaptar las centenarias Mil y una noches, comenzando con planes para una ópera sobre la heroína narradora Scheherazade. Solo se completó una obertura, que se representó en París en 1899. Scheherazade volvió a atraer a Ravel en 1903, cuando tenía 28 años y formaba parte de un círculo de artistas vanguardistas apodado Les Apaches. Uno de los miembros del grupo, el escritor y pintor Arthur Leclère, también conocido como Tristan Klingsor, publicó ese año un libro de poemas centrados en Oriente tituladoShéhérazade. Ravel adaptó tres de ellos para este breve pero maravillosamente rico ciclo de canciones orquestales.
Los textos de Leclère tratan menos sobre Las mil y una noches que sobre un sentimiento generalizado de pasión por los viajes y nostalgia, tal y como se anuncia en la silenciosa primera línea del primer movimiento: «Asia, Asia, Asia, antiguo país de las maravillas de los cuentos de hadas, donde la fantasía duerme como una emperatriz en su bosque lleno de misterio». Las referencias a Damasco y Persia traen consigo cuerdas vibrantes, mientras que una línea sobre «mandarines corpulentos» se subraya con escalas pentatónicas. En La flauta mágica, una flauta decora hipnóticamente el canto embelesado del cantante, mientras que en El indiferente, un tono de deseo misterioso y melancólico se subraya con un caleidoscopio de timbres.
Gustav Mahler, Sinfonía n.º 4
Cualquiera que haya pensado alguna vez que una composición mejoraría con un buen editor puede estar agradecido a Gustav Mahler. Incluso el maestro de las gigantescas sinfonías conocía sus límites, y descartó un séptimo movimiento que había planeado para su enorme Tercera sinfonía y lo reutilizó para el final de su Cuarta sinfonía. La Cuarta, a su vez, sería su sinfonía más económica, compuesta para una orquesta casi haydniana, sin trombones ni tubas. Cuando Mahler la presentó en Múnich en 1901, hubo suspiros de alivio por sus modestas dimensiones, y se convirtió en su sinfonía más popular a lo largo de su vida.
La canción que compone el final —y que sirve como núcleo de toda la sinfonía— es «Das himmlische Leben» («La vida celestial»), que Mahler escribió en 1892 como una composición independiente, basada en la poesía popular alemana. Cantada por una soprano, describe la visión dulce e ingenua que tiene un niño del cielo, con cantos, bailes y un suntuoso banquete preparado para todos los santos. Los tres movimientos anteriores conducen a este final, volviéndose cada vez más sencillos y directos en su tono.
El primer movimiento tiene un elegante neoclasicismo con un estribillo chirriante de flautas y cascabeles que da paso a una melodía mozartiana que pasa de los violines a los cuernos, los instrumentos de viento-madera y las cuerdas graves. A pesar de su aparente inocencia, el tema se desarrolla con considerable sofisticación y sutileza.
El Scherzo es una danza siniestra y nocturna, en la que el concertino toca un violín solista afinado un tono más alto para sugerir un violinista callejero. Según Mahler, evoca una figura esquelética entonando «la espantosa danza de la muerte». El lento tercer movimiento es un conjunto de variaciones sobre dos temas que transmite tanto una calma tranquila como una intensidad más oscura. Tras un estallido final, el movimiento termina con una sugerencia de eternidad, anticipando magistralmente el final.
El cuarto movimiento consta de ocho estrofas de imágenes pastorales, intercaladas con un estribillo de cascabeles que recuerda al primer movimiento. También hay trasfondos siniestros, que sugieren un bosque con «misterios y horrores», según Mahler. Sin embargo, la impresión predominante es la de una simplicidad radiante, ya que la soprano canta sobre un «cielo azul sin nubes», ángeles horneando pan y Santa Marta cocinando en la cocina, antes de que la música se desvanezca en un consolador acorde en mi mayor.
— Brian Wise
